Asociación de Veteranos de Dragados

RENACIMIENTO EN ITALIA Y FLANDES. E. Cabellos.

Leyendo el libro de Kandinsky “De lo espiritual en el arte” ves como hace una dicotomía entre la vida interior de los objetos, o sujetos, a través de su expresión cromática, en una resonancia de abstracción; en la que engloba a Henry Matisse y le compara con la música de Debussy. Se refiere también a esa otra pintura que solo tiene vida externa en cuanto a objeto. Su admiración por Picasso, al que eleva a la cima de su época, se deriva de que nunca ha caído en tal exposición de lo externo y obvio, captando y exponiendo por el contrario su realidad profunda.

Años después 1913, Kandinsky en la gran exposición de Munich, centro indiscutido del arte europeo del momento, apoyado en el “Die Blaue Reiter” y con la imagen de Picasso, El Greco y Cézanne, proclama “la materialización artística de “lo espiritual ya maduro para la revelación”.

Después de la primera guerra mundial, Picasso, que nunca estuvo interesado en la pintura religiosa, se vuelve hacia el renacimiento alemán, de raíces centroeuropeas y, con solo referencias del retablo de Isenheim 1516 de Matthias Grünewald, culmen de la expresión del dolor y de la emotividad simbólica, realiza, en 1932, una serie de 51 variaciones del altar Isenheim, y un año después incluye nuevos dibujos a tinta china en la revista Minotaure. Su pasión y respeto por maestros alemanes se plasma nuevamente entre 1942 y 1957 en diversos formatos con sus reelaboraciones de “Venus y Cupido” de Lucas Cranach, y otras obras similares.

En 1955 le comenta Picasso a su marchante Kahnweiler: “Los cuadros de santidad, la Trinidad, la Virgen, eso es Italia, son decorativos. Por eso prefiero los alemanes a los italianos. Los alemanes son realistas. ¡Mira que es bueno! Mientras que esos italianos, incluso los mejores, son decorativos. Y piensan siempre en la antigüedad”. Su marchante también señala que Picasso había realizado un falso álbum de dibujos de Altdorfer, imitando siempre su firma en letra gótica, como admiración al mundo centroeuropeo.Kahnweiler afirma, así mismo, su cercanía con el renacimiento alemán que defiende por su profundo realismo ante la ornamentación y búsqueda de la estética del italiano.

En alguna ocasión escuché una frase que resume de forma muy acertada la dicotomía de esos dos mundos artísticos: “El renacimiento italiano convierte a sus personajes en dioses clásicos; mientras que en Flandes los dioses y personajes sagrados son representados como humanos menestrales”.

Recordemos, y pongamos en pantalla para verificarlo, a los personajes de cualquier Adoración de los Magos, Vírgenes, o escenas más o menos mitológicas,de Fra Angélico, Gentile da Fabriano, Masaccio, Filippo Lippi, Benozzo Gozzoli, Bellini, Verrocchio, Boticelli, Ghirlandaio. Muchos personajes son clónicos, se pinta con plantillas y puede haber un montón de ángeles todos idénticos, rostros afilados y cuerpos bellísimos que recuerdan las representaciones grecorromanas.

Hagamos lo mismo con autores del norte. Robert Campin, Hubert y Jan van Eyck, Van der Weyden, Petrus Christus, Memling, El Bosco, Grünewald, Durero, Cranach. Desde la Virgen hasta los ángeles, pasando por personajes importantes están llenos de individualidad, con características y entorno social de burgueses, comerciantes o artesanos, rodeados de un ambiente cuotidiano donde se integra su personalidad. Los retratos de Memling o Durero rezuman dignidad y una humanidad muy próxima al espectador. Los paisajes están llenos de connotaciones un tanto misteriosas. Las emociones son intensas como en el “Descendimiento” de Roger van der Weyden.Hacia finales del XV el mundo flamenco se llena de réplicas de cuadros famosos y los talleres trabajan a tope en un mercado con dinero y de artesanos muy competentes.

COMPARACIONES.

Cada zona, Italia en primer lugar, tiene características que proceden del peculiar desarrollo económico y social del territorio, junto con una cultura heredada, que en el caso italiano hunde sus raíces en el imperio romano y su antecedente Grecia, unos príncipes y mecenas de enorme poder y riqueza que monopolizan el arte y la cultura. Por el contrario el mundo flamenco del norte de Europa se caracteriza por una burguesía adinerada, fruto del comercio, con unos gremios de mucho poder y acostumbrados a trabajar con altos estándares de calidad y seriedad. Sociedad muy trabajadora pero que celebra sus festividades de forma coral, ruidosa y desinhibida.

Para mayor claridad comparo muy diversos parámetros de esos dos enclaves, Flandes e Italia, para individualizar cada uno en comparación con el otro territorio. Recomiendo tener a la vista google con diferentes autores para ir comparando imágenes diversas en cada tema.

Flandes - No tienen el poso de una antigüedad clásica, y si la tradición gremial.

-       Sociedad urbana y comercial. Con amplia vena naturalista

-       Antecedente del gótico internacional del norte de Europa, y del trabajo minucioso de iluminación de los Libros de Horas, Breviarios y manuscritos

Italia – Ejemplos e interés por la antigüedad clásica

-       Cercana y presente la sociedad del imperio romano

-       Austeridad y simplicidad desde sus precedentes de Giotto

-       Humanismo de valores clásicos y teocéntricos

FL –No escriben tratados, ni hay una concepción filosófica. Solo normas de convivencia

-       Refleja el mundo gremial y comercial

IT – Hay tratados teóricos y se busca la expresión científica y la razón de ser

-       El artista se considera un hombre libre que refleja su mundo

 

FL – Realismo crudo y detalle cuotidiano

IT – Interés por la naturaleza, y búsqueda de la belleza ideal

 

Es común a Flandes e Italia: - Plasmar la sensación de volumen y de la perspectiva espacial

-       Utilizan colores claros con luz sin contrastes, sin llegar al claroscuro del barroco

 

FL –Modelado usando el matizado del óleo y las veladuras

-       Gran detalle virtuosístico. Juego de luces

-       Paños voluminosos, como almidonados y quebrados del gótico internacional

IT –Luz muy clara con escasas sombras, siguiendo a Giotto y el uso del temple

-       Paños más naturales, con menos artificio y menos volumen, al modo grecorromano

 

FL–Perspectiva con diversos puntos de fuga. Como lo ve el ojo humano

-       Figuras en primer plano, rodeadas de un entorno que marca la perspectiva

IT –Perspectiva lineal, más rígida y relacionada con el cálculo matemático

-       Figuras repartidas en diferentes planos

 

Es común a Flandes e Italia: - Fondos de paisaje real, naturalista, integrando paisaje y arquitectura

 

FL –Paisaje muy detallado, con ventanas, balcones y elementos arquitectónicos

-       Arquitectura real de palacios góticos e interiores burgueses

IT –Paisajes ficticios idealizados

-       Arquitectura copiada de modelos grecorromanos utópicos.

 

FL –Cuerpos realistas, burgueses, con defectos, con análisis psicológico. Con la cara girada hacia el espectador

IT– Cuerpos de modelos clásicos, bellos y perfectos. Tratados con armonía, figuras en contraposto y rostro de medio perfil, como la medallística romana

 

FL –Muy poco desnudo, solo referido a temas religiosos

IT –Mucho desnudo, relacionado con la mitología, que exalta la proporción

 

FL –Rostros hieráticos, solo hay afectos en muy contadas ocasiones como el Descendimiento de van der Weyden

IT –El gesto más que en el rostro se expresa en la dinámica corporal y su gesticulación.

 

 

 

Es común a Flandes e Italia: - Equilibrio compositivo, en formas y distribución espacial

 

FL –El equilibrio se basa en una distribución de masas compensadas sin excesivo rigor

IT –Equilibrio basado en formas geométricas y figuras teóricas

 

FL –El óleo permite modelar las formas con veladuras, y color brillante, con cualidades táctiles y detallistas

IT –El temple da color menos brillante, y el volumen se trata con un sfumato gradual (Boticelli nunca llegó a utilizar óleo, muriendo en s. XVI)

 

FL –Los temas son religiosos. En los retratos de personajes sagrados casi siempre aparece el donante. Mucho detalle que revela la realidad social

-       Los personajes son burgueses corrientes, con vestimenta común, incluso menestral

IT – El tema es de raíz clásica, mitológico o alegórico.En los retratos no suele haber donantes.

-       Los personajes son idealizados, de rostros perfectos y el vestido reluce su perfección

 

FL –Abunda el pequeño formato para ornato de su vivienda, y disfrute privado. Para la iglesia se hacen grandes retablos en forma de dípticos, trípticos y polípticos

IT –Gran formato en pintura mural. Los mecenas exigen grandes composiciones que ocupan todo un palacio, en programas iconográficos complejos de muchos personajes.

 

 

OBRAS IMPORTANTES

Maestros antiguos del XV flamenco. Robert Campin, Hubert y Jan van Eyck, Roger van der Weyden, Hugo van derGoes, Petrus Cristus, Hans Memling, Gerard David, Patinir.

Campines contemporáneo de los Eyck y de Masaccio y sus frescos de la capilla Brancacci 1426.

Campin en su Nacimiento de Cristo 1425 impone un paisaje de horizonte muy alto (luego Patinir) que se diluye en lejanía de perspectiva atmosférica, con riqueza de detalle; mientras la virgen y S. José lucen vestimentas lujosas el niño permanece desnudo en tierra. En su Anunciación 1426 y en tríptico de Merode 1428, la virgen queda rodeado de un ambiente muy doméstico lleno de pertenencias, ya se ve la frente de las mujeres muy despejada y en retirada, característica de todo el arte flamenco. Mientras se incorpora el paisaje, en Italia de fra Angelico abundan los fondos de rico oro muy trabajado, y los rostros son idealizados.

Los Eyck en Altar de Gante 1426 aparece un paisaje infinito, mucho detalle y ropajes muy movidos y suntuosos. En el Canciller Rolin 1435 el donante supera a la virgen en tamaño y aparatosidad, con decoración intensiva y perspectiva infinita.

Masaccio en la capilla Brancacci 1426 aplica la doctrina de Brunelleschi sobre perspectiva científica, bastante primitiva.

R. van der Weyden se forma en taller de Campin, y Memling en el de Rvd Weyden. El Descendimiento del Prado es la primera expresión de sentimientos llevada a un límite improbable, que tardará en repetirse.

Memling en la segunda mitad del XV pinta el retablo del Juicio Final 1467-72 y mucho retrato magnífico por su profunda penetración psicológica y personalidad tan individualizada, mientras en Italia persisten los rostros ataráxicos o idealizados.

Petrus Christus, J. Van Eyck y Memling son los primeros que fechaban y firmaban sus obras.

Gerard David 1460-1523, llena la transición del s. XV al XVI. Su Crucifixión 1475 ya es obra de gran teatralidad, posturas forzadas, color brillante y paisajes suntuosos. Como se ve en Bautismo de Cristo 1509 o Descanso en huida a Egipto 1510. Entre tanto Patinir crea un nuevo concepto del paisaje autónomo.

Maestros antiguos del XV italiano.Fra Angélico, Gentile da Fabriano, Masaccio, Filippo Lippi, Benozzo Gozzoli, Bellini, Verrocchio, Boticelli, Ghirlandaio

Masaccio es el primero que se enfrenta a un encargo de gran magnitud en la capilla Brancacci, que luego será la norma, al servicio de los grandes príncipes y mecenas de Italia. Serán los comitentes los que marcarán el camino del arte buscando más la grandiosidad y la imitación de su modelo greco-romano, que la interiorización de las emociones. A partir de Miguel Ángel el arte deja de ser individual y se convierte en colectivo, al servicio de una imagen pública y de unas fuerzas poderosas que buscan una situación preferente entre poderes autónomos. Podríamos equiparar este momento a la actual política regida por el populismo, la demagogia y el “Yo soy el mejor, y el más poderoso”.

Benozzo Gozzoli en la cámara de los Reyes Magos para Lorenzo de Médicis crea una belleza incomparable llena de luz y equilibrio al tiempo que idealiza a los Médicis convirtiéndolo en los Reyes del universo. Es el culto a la personalidad. El renacimiento italiano está lleno de luz, de color, de equilibrio clasicista y de una belleza incomparable capaz del síndrome de Stendhal. Pero deja la duda de la falsedad que elimina lo personal y lo íntimo y aferrado a las emociones.

Verrocchio estuvo hasta sus últimos años al servicio de Lorenzo de Médicis, y recibió influencias de Donatello y de Filippo Lippi. A su vez tuvo como alumnos y sirvió de orientación a una pléyade jamás repetida: Boticelli, Ghirlandaio, Perugino, Leonardo, e influyó en el primer Miguel Ángel. Su huella en la historia del arte es infinita, pero si buceamos bajo las apariencias y queremos saber cómo se interrelaciona con la sociedad de su tiempo y con las venas de un momento, veremos que no hay ese contacto fructífero, borrado por el poder de los grandes magnates, de los cuales el primus inter pares eran los propios papas de un catolicismo a punto de romperse.

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